Corintio

Hexástilo y períptero, en el interior dos hileras de columnas dividen la cella en tres naves. En altura presenta dos pisos. El superior está apoyado en columnas más pequeñas.

El color fue muy importante en la decoración de todos estos templos: los capiteles estaban pintados de rojo, mientras que triglifos y metopas alternaban los tonos azules y rojos.

La decoración se completa con una abundante presencia de obras escultóricas, concentradas en lugares como el frontón oriental.

Jónico

Casi un siglo más tarde que el orden dórico aparece, en la costa asiática el orden jónico.

En planta apenas se distinguen entre sí, pero sí acusan esas diferencias en el desarrollo de la columna.

El orden jónico tiene basa, que se compone de finas molduras convexas: baquetones; cóncavas: escocias; y, en lo más alto, una gruesa moldura convexa, llamada toro.

El fuste, más estilizado que el dórico, no tiene aristas vivas.

Por encima, el capitel presenta dos volutas que flanquean una decoración de ovas y astrágalos.

El arquitrabe está dividido en tres partes, mientras que el friso es continuo y se suele decorar con escenas artísticas.

Como por ejemplo el de Heraion de Olimpia.

Es un templo períptero y hexástilo. Su interior está dividido en pronaos, naos y opistodomo; además, cada extremo presenta dos columnas in antis.

En la naos, fragmentada en pequeños espacios, había también columnas, que, por su carácter sagrado, acompañaban a la estatua de la divinidad.

En este caso, el templo albergaba el Hermes de Praxíteles, una de las pocas obras que conocemos en su versión original y no como copia posterior.

Dórico

Localizada en Nápoles, estaba consagrada a Hera, esposa del dios supremo, Zeus.

En planta, el pronaos ofrece tres columnas in antis.

En Italia, el orden dórico se maneja con más libertad y por ello este templo tiene unas dimensiones especiales de 9 x 18 columnas.

Además, en el eje de la naos existía una hilera de columnas que dividía en dos el espacio interior.

Proyecto Publicidad , Costa Del Sol

Manolo Valdés

Se trata de piezas de bronce instaladas en la calle Larios y la plaza de la Marina que llegan a alcanzar un peso de seis toneladas, como en el caso de "La Dama" -inspirada en la Dama de Elche. Por otro lado también están unas muy parecidas a las Meninas de Velázquez.

Valdés se basa en la Historia del Arte y los recrea en su obra, bucea en el archivo de su memoria personal y colectiva y observa lo que le rodea hasta que alguna imagen se instala permanentemente en su cabeza y la hace.

El propio Valdés se considera "un artista de repertorio, porque se apropia de elementos y los estudia desde distintos puntos de vista".

Estas esculturas se alejan a la tradición monumental, al ser mas deformes y es por una parte mas original y tienen más estilo, son abstractas.

En casi todas las esculturas podemos apreciar las grandes cabezas y como exagera algunas de las esculturas en total esta exposición son de 17 esculturas.

• Título: Esclavo Moribundo.
• Autor: Miguel Angel.
• Fecha: 1513.
• Localización: Museo del Louvre, Paris.
  
• Datos técnicos: 229 cm de altura.
  

1.Lectura formal:

Es una escultura de marmól blanco

Diez esculturas

Apolino de la época Helenística




Hombre cactu nº1 por González 1939-40 bronce 0,65 m París Museo Nacional de Arte Moderno




Estatua femenina Terracota mediados IV milenio Cernavoda (Rumania) Bucarest, museo de historia





David por Verrochio c.1475 bronce 1.26 m alt Florencia Bargello





Arquero arrodillado terracota 1.20 m de alt. fosa nº2 Shan-si Museo provincial



Busto de Nefertiti, caliza policromada 48 cm de alt. perfil, imperio nuevo,
XVIII dinastia tell al-amarna. Berlín occidental, Museo Egipcio.

Hermafrodita dormido copia tardoromana de un bronce de mediados de s. II a. J.C (el colchón es obra de Bernini) mármol, 1,47 m de long. París, Louvre

Victoria de Samotracia 220-190 a J.C mármol 2,45 de alt. Paris, Louvre

Laoconte y sus hijos. Adaptado (?) por los escultores rodios Hagesandro, Atanodoro y Polidoro en el siglo I a partir de un grupo de bronce del s III o de principios del s II a J.C. Mármol; 2,42 m de alt. Roma, Museos Vaticanos.

Venus de Milo, inspirada posiblemente en una obra de Lisipo del s IV a J.C Mármol de paros; 2,02 m de alt. Paris, Louvre.

Comentario del retrato de Mada-Primavesi

1. Identificación:

• Título: Mada-Primavesi
• Autor: Gustav Klimt
  
• Fecha: 1912
• Localización: Australia
• Datos técnicos: 150x110cm.

2. Lectura Formal:

Es una pintura de óleo sobre lienzo.

Posee forma rectangular.

Podemos observar un retrato de una niña adinerada y de clase social alta, en el cuadro aparce la niña con un vestido hasta las rodillas blanco, en la zona del pecho tiene como una cintita de flores de colores, por la parte de abajo del vestido tienen unos volantes. La chica, de pelo largo, tiene en el cabello un lazo de color azul. Da la sensación de que está en una habitación, la cual posee una pared de color fucsia. En el suelo hay como especie de alfombra grande de color beis con muchos adornos, alrededor de esto aparece como otra alfombra de diversos colores.

Gustav Klimt

1. Nació en Baumgorten, cerca de Viena.
2. Fue educado en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre los años 1879 y 1883.
3. La familia de Gustav Klimt se encontraba escasa de dinero y vivieron en pequeñas y pobres casas.
4. En Burgerschule, las capacidades artísticas de Klimt fueron reconocidas.
5. Al dejar el Kunstgewerbeschule en 1883, Klimt comenzó a trabajar a timpo completo, produciendo varias pinturas.
6. Klimt fue contratado en 1893 para la decoración de un pasillo en la universidad nueva de Viena.
7. Entre 1892 y 1893 mueren su padre y su hermano y socio Ernst.
8. En 1897 tiene lugar una revuelta oficial: Klimt es miembro fundador del grupo y nombrado presidente de la Secesión Vienesa.
9. En 1904 comienza sus dibujos para la decoración del Palacio Stoclet de Bruselas.
10. En 1915 muere su madre y sus cuadros se vuelven más oscuros.

Las tres edades de la vida (Gustav Klimt)

• Título: Las tres edades de la vida.
• Autor: Gustav Klimt.
• Fecha: 1905.
• Localizacion: museo-galeria Nazionale d' Arte Moderna di Roma
• Caracteristicas:180 x 180 cm

Esta obra se trata de un cuadro al óleo sobre lienzo en el cual podemos distinguir
en el centro tres personas desnudas y una de ellas es una mujer jóven y tiene un niño/a en brazos y aparecen en un primer plano, esta mujer con la cabeza echada
sobre el pequeño con los ojos cerrados, de cabellos largos y rizados y sobre el pelo le caen pequeñas flores y alrededor de las piernas de la mujer.

El cuerpo del niño/a tiene como una ligera sabana y la tez de piel de la madre y el hijo es muy blanquecina lo que hace que estas figuras resalten más en contraste con las demás tonalidades oscuras y ocres del resto del cuadro.

A su derecha se encuentra otra figura femenina, con la cabeza agachada cubriéndose el rostro con su melena rizada y su mano izquierda, mientras la otra mano reposa en su muslo derecho. Físicamente a simple vista observamos que se trata de una mujer mayor, delgada con la piel flácida, con sus arrugas y venas marcadas por el paso de los años. Las tonalidades generales son mas oscuras en comparación con las otras figuras y son beis, marrón y algo de negro.

En cuanto al fondo a los dos lados vemos como dos paneles imitando a la madera y encima de estos dos un espacio que queda en negro. En cuanto al fondo de detrás de las tres representaciones, encontramos un colorido fondo lleno de figuras geométricas en abundancia circulares y de diferentes estilos y motivos que llegan a poblar incluso parte de las telas que envuelven levemente al bebé. Abundan las tonalidades rojizas, púrpuras, negras, amarillas, naranjas, marrones etc.

El cuadro da la sensación de que esta dividido en dos partes y de que son simétricas.


En cuanto al estilo, esta obra es muy caracterítica en las obras alegóricas del pintor, cuya primera obra es de 1895 y se titula Amor.

Klimt se inspiró en una obra de Rodin para la figura de la anciana, dando a entender asi su admiracion por el escultor francés.

Tras la muerte de su hermano Ernst, Klimt volvió a pintar y el tema que trató fue el del ciclo vital que se convirtió en un motivo habitual en pinturas como esta.
Este cuadro representa el nacimiento, la madurez y la vejez. Para Klimt el papel de la mujer era fundamental y de ahi que en esta obra el tema sea la evolucion de la vida de la mujer: inicio, madurez, maternidad y finalmente la muerte.

Este cuadro además, rompió con la tradicional pintura vienés de la época, con sus perspectivas y colores.

Esta obra es una de las mas conocidas de Klimt, por su composión y peso simbólico que se percive con facilidad.